Helen Levitt

Les photographies d’Helen Levitt n’étaient pas censées raconter une histoire ou étayer une thèse sociale. Elle travaillait dans des quartiers pauvres parce qu’ils regorgeaient de monde, et que la vie de la rue était socialement riche et visuellement intéressante. Ses images ne témoignent d’aucun évènement hors du commun ; la plupart montrent des jeux d’enfants, les conversations et les aller venues de ménagères de plus de cinquante ans, la posture attentive des plus âgés. Ce qui est remarquable dans ses photographies, c’est que ces actes de vie anodins et routiniers, pratiqués n’importe où et en tout temps, y sont révélés pleins de grâce, de drame, d’humour, de pathos et de surprise. Elles sont emplies des attributs de l’art, comme si la rue était une scène, et ses habitants étaient des acteurs et des actrices, des mimes, des orateurs et des danseurs. Des légions de photographes new yorkais sérieux ont rendu hommage à Helen Levitt en l’imitant.

Helen Levitt est l’une des figures emblématiques de la photographie documentaire du 20e siècle. Henri Cartier-Bresson avait choisi l’une de ses images pour l’exposition inaugurale de la Fondation HCB, Les Choix d’Henri Cartier-Bresson (2003). La Fondation HCB est heureuse de rendre hommage aujourd’hui à une oeuvre majeure, longue de plus d’un demi-siècle.

Helen Levitt a 94 ans. Elle vit toujours à New York, sa ville de prédilection, celle qui l’a vu naître et qui a constitué la scène fondamentale de son oeuvre. Depuis ses débuts, dans les années 1930, et pendant plus de 50 ans, elle a inlassablement observé les habitants de ces quartiers, souvent modestes : Brooklyn, Harlem, Lower East Side ; les enfants surtout, leurs graffitis sur les murs et sur les trottoirs, le peuple des rues - l’énergie, la poésie et la beauté émanant de leur quotidien. Les photographies d’Helen Levitt magnifient l’imaginaire des enfants ; elles montrent aussi la richesse de la société américaine, l’effervescence du melting-pot en train de se former dans les rues de New York.

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Photographe de l’humain et de l’intime, Helen Levitt n’a jamais été photojournaliste, à la différence de ses contemporains engagés dans les années 1930 dans la FSA tels que Ben Shahn ou Walker Evans - qui disait que le travail d’Helen Levitt pourrait être qualifié « d’anti-journalisme ». Helen Levitt a observé sa société comme artiste-photographe, documentariste sociale malgré elle. Avec James Agee, qui avait également travaillé avec Walker Evans (Let us Now Praise Famous Men, 1941), elle réalisa en 1945 son premier ouvrage, publié en 1965 : A Way of Seeing. Helen Levitt ne parle pas, ni d’elle ni de son oeuvre : elle observe sans interférer, sans volonté didactique, sans message à délivrer. Son travail est « à la fois lyrique, méditatif, énigmatique, exubérant et réaliste », comme l’exprimait Sandra Phillips dans son essai publié en 1992 lors de l’exposition d’Helen Levitt au San Francisco Museum of Modern Art.

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Inspirée par le surréalisme, le cinéma de Jean Cocteau, les photographies d’Atget, de Ben Shahn ou de Weegee - Helen Levitt avait par ailleurs rencontré Walker Evans et Cartier-Bresson au début des années 1930. Ces deux amitiés ont eu une influence indiscutable sur sa détermination à devenir photographe elle-même, puis sur sa façon de vivre sa passion. Comme Cartier-Bresson, elle adopta le Leica, et elle partit pour la seule et unique fois de sa vie en voyage, au Mexique en 1943. Elle servit d’ « alibi » à Walker Evans quand il réalisait sa fameuse série sur le métro new yorkais. Accompagné, il passait plus inaperçu. Helen Levitt réalisera à son tour une série dans les années 1960. Helen Levitt s’est par ailleurs beaucoup intéressée au cinéma. Elle réalisa deux films en collaboration avec James Agee et Janice Loeb, considérés comme précurseurs du cinéma américain indépendant : The Quiet One en 1949, puis In the Street en 1952. Ils seront projetés régulièrement durant l’exposition.

L’exposition de la Fondation HCB rassemble une centaine de photographies, noir et blanc et couleur, emblématiques ou inédites, réalisées entre les années 1930 et 1980, pour la plupart à New York, mais aussi de rares images de son voyage au Mexique - mises en parallèle avec celles que Cartier-Bresson y avait réalisées quelques années auparavant.

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Réputée pour son travail noir et blanc, Helen Levitt avait par ailleurs reçu en 1959 une bourse Guggenheim pour étudier les techniques de la photographie couleur (la bourse fut renouvelée en 1960). Son travail couleur, moins connu, compte néanmoins des images devenues célèbres, comme cette petite fille mystérieusement accroupie dans un caniveau devant une voiture d’un vert presque fluorescent.

L’ensemble de ses premières prises de vues en couleur fut volé au début des années 1970. Mais Helen Levitt reprit son travail, et en 1974 le MoMA organisa une projection continue de 40 de ses photographies couleur : une manière innovatrice de présenter son oeuvre, et une nouvelle consécration. La plupart des tirages exposés à la Fondation HCB a été empruntée à la galerie Laurence Miller de New York, qui la représente, mais aussi à des institutions publiques françaises et à des collectionneurs privés. La majorité des tirages noir et blanc sont des tirages d’époque, notamment des séries très émouvantes de petits vintages apportant un nouvel éclairage sur des images emblématiques. Les tirages couleurs, une trentaine, d’une modernité exceptionnelle, sont des dye transfers, procédé aujourd’hui quasiment disparu. Le talent d’Helen Levitt a été reconnu très tôt par les grandes institutions américaines : Steichen lui consacra une exposition individuelle en 1943 au Musée d’Art Moderne de New York (MoMA). La Fondation HCB est heureuse de rendre hommage à son tour, plus de cinquante années plus tard, au travail de cette « photographe rebelle dotée d’un esprit libre, frondeur et merveilleux » (Agnès Sire).