Joel Meyerowitz - Out of the Ordinary, 1970-1980

Au début des années 1970, la technique dans le domaine de la couleur avait fait de réels progrès au point qu’il était possible de faire des tirages en laboratoire sans les contraintes et les dépenses que cela exigeait 10 ans auparavant. C’est alors que je me suis décidé à travailler exclusivement en couleur. Mon raisonnement partait du principe qu’une photographie décrit les choses, il m’apparaissait dès lors évident qu’une photographie en couleur devait décrire plus de choses et offrir plus de contenu qu’une image en noir et blanc. À la même époque, je commençais à sentir qu’on pouvait obtenir plus d’une photographie qu’une simple bonne prise de vue, que le style d’Henri Cartier-Bresson (Henri Cartier-Bresson, avec Robert Frank étaient les deux figures prédominantes des années 1960), que ce style reposant sur un système d’oppositions, la recherche de l’instant idéal, l’attitude, la mienne ou celle de mes pairs, qui consistait à se focaliser sur un objet central, que tout cela devait être abandonné. En utilisant la couleur, toute mon attitude vis-à-vis de la photographie de rue est passée de "l’instant capturé" à une observation plus dispersée, à la recherche d’un résultat non hiérarchisé dans lequel chaque élément joue un rôle équivalent : les gens, l’architecture, la qualité de la lumière, l’angle de cette lumière, l’importance des ombres, la simultanéité d’évènements mineurs. Cette globalité, je l’ai appelée "champs de la photographie". Il s’agissait pour moi d’une traduction de "l’expérience d’être dans la rue", dans une ville spécifique, un jour déterminé, pendant une saison ou une année précise, qui pouvait permettre au spectateur d’expérimenter lui-même ce que j’ai pu ressentir à ce moment-là. J’espérais alors que les gens allaient peut-être "lire" la photographie et non rechercher l’incident qui les captiverait dans l’image.

Petit à petit, je me suis tourné vers des appareils de plus grandes dimensions et puis un jour j’ai acheté une chambre 20x25 cm. C’était en parfaite opposition avec ma manière de penser et de travailler. Il s’agissait de la chambre photographique des anciens de la Côte Ouest, celle qu’utilisaient des gens comme Ansel Adams ou Edward Weston, alors que j’étais moi-même un new-yorkais, que l’agitation était ma nature, que la vie des rues, rythmée par le jazz, était mon véritable milieu.

Pendant cette période je suis passé de la rapidité de l’appareil 35 mm, de la scène urbaine et de ses espaces multiples, à un travail à la chambre plus méditatif, plus spacieux et plus lumineux. En fait, mon comportement, mon rapport au temps ont subi une métamorphose complète qui a profondément déterminé mon travail depuis cette époque.Extrait d’une interview avec Michaël Houlette, coordinateur de l’exposition, juin 2005

 

J’utilise les papiers et les techniques d’impression de HP depuis 3 ans maintenant et je suis toujours étonné par la qualité et le résultat que ces nouvelles technologies peuvent offrir. Quand j’ai vu le catalogue réalisé sur presse numérique que HP était en train de mettre au point, j’étais excité à l’idée de pouvoir l’essayer. Mais lorsque que j’ai appris que ce type d’édition offrait une souplesse telle qu’elle permettait de changer le contenu de l’ouvrage à tout moment de l’impression, j’y ai vu l’occasion de faire un livre à une échelle beaucoup plus intime et personnelle. Tout artiste souhaite, à travers une publication, enregistrer son point de vue d’une manière fixe et définitive. Mais sans doute s’agit-il là d’une vision sclérosée de l’édition classique.

Ce qui m’intéresse dans le procédé qui sera mis en place pour l’Hôtel de Sully, c’est que je peux littéralement dire à n’importe quel visiteur de mon exposition : "ici vous pouvez voir mon travail, et si certaines images vous touchent plus que d’autres, vous pouvez les choisir en vous asseyant quelques instants devant un ordinateur, pour organiser à votre guise ce qui fait écho en vous". C’est comme une révélation pour moi, une occasion d’inviter le spectateur dans le processus de création, et personnellement, j’aime le risque que cela comporte, à savoir qu’il y aura peut-être plusieurs exemplaires uniques en leurs genres issus de ce travail. La photographie a longtemps été pensée comme un médium démocratique. Ce projet développe en profondeur cette idée car elle laisse ici le processus de fabrication entre les mains du lecteur.Joel Meyerowitz, février 2006