Géographiquement cette étude considère essentiellement les artistes américains, surtout, et français. Quelques autres exemples européens–dont Francis Bacon et Gerhard Richter tout de même–et un artiste contemporain chinois, Liu Ming, viennent compléter le tableau. Au-delà du contenu conçu par un des ténors universitaires français sur l’art du XXième siècle, ce livre est un exemple de conception graphique et ergonomique, l’un devant servir l’autre. De manière non-révolutionnaire certes, mais efficace et plaisante, l’information distillée par l’auteur y est présentée de manière esthétique pour une utilisation rendue aisée et attrayante. Toutes les reproductions sont fidèlement imprimées pleine page sur un épais papier couché. Le texte est aéré et concis. On a presque affaire à un livre-objet dont le côté « sculpture » est renforcé par une épaisse couverture représentant, plein cadre un détail extirpé d’une peinture d’Antonio de Felippe, Kiss for Marylin Amarilla, 2003 (reproduite dans son intégralité p. 211 du livre). L’auteur, le titre, et l’éditeur sont imprimés en lettres discrètement argentées. Le vermillon orangé, couleur dominante de la couverture, lui permettra d’être repéré de loin sur les tables de salon et dans les vitrines de librairie !

Après une introduction de seulement deux pages de texte, référençant notamment Jean Baudrillard, et Jean-François Lyotard pour la théorie, Jacques Monory pour la peinture française, l’auteur décline le sujet de son étude en quatre chapitres distincts, répartis en quatre types de représentation figurative couvrant chronologiquement la période 1945-2007 :
1 - Pop art et photographie (1945-1970)
2 - La figuration narrative (1955-2002)
3 - L’hyperréalisme américain (1965-1975)
4 - Les métaréalismes aujourd’hui (1976-2007).

Certes on peut discuter l’arbitraire des dates tampons, justifiées par leur auteur, et sans doute nécessaires à un souci de clarification historique. Après un texte explicatif rédigé sur chaque période, des exemples de peintres iconiques sont présentés et illustrés par au moins une peinture imprimée pleine page. Pour chaque double page, le titre du chapitre est rappelé verticalement dans le coin supérieur gauche avec, quelques quatre centimètres plus bas, un numéro de page dont la couleur change en fonction du chapitre. Une conclusion d’une seule page couronne le tout. Elle commence par revenir sur Baudrillard en en relativisant l’annonce de la mort de l’art pour louer le projet des métaréalistes consistant à « faire comprendre l’arbitraire [de la peinture] simplement par le plaisir ou le choc qu’elle provoque. »
Une liste de courtes biographies des peintres cités dans l’ouvrage clôture le tout. On pourra considérer alors le faible poids de la photographie et des photographes dans cet ouvrage où Eadweard Muybridge en est le seul représentant « biographié ».

Chêne, l’éditeur, a résolument fait le choix de publier un livre d’art ambitieux par les moyens qu’il lui a conférés. Le livre cependant s’adresse aussi à un public de non-spécialistes, d’amateurs de beaux livres, d’art « sans prise de tête ». Somme toute, ce livre est une tentative réussie d’esthétisation et de démocratisation, plutôt que vulgarisation, de la recherche en matière d’histoire et de théorie de l’art. La qualité de contenu, de présentation, et d’impression du livre a tout de même un prix : 59,90 €. Il faut cependant considérer que cet ouvrage est une référence d’accès facilité et facile à un des aspects de l’art contemporain occidental depuis les années 1950. Il peut trouver sa place non seulement sur les étagères de l’audience citée au-dessus mais sur celles de toutes les bibliothèques, médiathèques, centres de documentation des institutions d’enseignement de France et des pays francophones.